Музей д'Орсе Париж

Перова Д.

Гомберг Н.

Неоимпрессионизм и постимпрессионизм

 

Анри де Тулуз-Лотрек. Портрет Жюстины Дье в саду «Пэр Форе». 1891

Жорж Сёра (1859–1891) Цирк 1891. Холст, масло. 186x152

Жорж Сёра является основателем неоимпрессионизма, или дивизионизма, отличительной особенностью которого является поистине революционный способ нанесения краски на поверхность холста и не менее шокирующий метод получения необходимого тона. Изображение создавалось раздельными точечными мазками, близко положенными один к другому. Краски не смешивались на палитре: нужный оттенок создавался благодаря выверенному соседству локальных цветов. Достичь этой точности художнику помогло изучение новейших открытий в оптике. Вблизи картина, написанная таким «научным» методом, являла собой хаотичное месиво, зато на расстоянии мазки, выполненные чистыми красками, сливались в соответствии с законами восприятия цвета и выявляли задумку художника. Такая «механическая» живопись находила как сторонников, так и ярых противников.

Картина «Цирк» — последняя работа Жоржа Сёра, которую он не успел дописать из-за преждевременного ухода из жизни. Это прекрасный пример «примирения» научных экспериментов с чисто художественными задачами.

Поль Синьяк (1863–1935) Женщина с зонтиком 1893. Холст, масло. 81x65

Поль Синьяк не имел профессионального художественного образования. Его пристрастия в живописи развивались под влиянием импрессионизма, а после знакомства с Жоржем Сёра и его творчеством Синьяк стал писать в той же манере. Больше всего ему нравилось работать в жанре пейзажа, он часто изображал морские виды.

«Женщина с зонтиком» — это портрет любимой жены художника, которая приходилась родственницей импрессионисту Камилю Писсарро, в течение нескольких лет увлекавшемуся живописью неоимпрессионизма.

Строгость и эффектность полотна достигаются благодаря точно подобранному, «научно обоснованному» колориту. Рыжий зонт особенно выигрышно смотрится рядом с зеленоватой кофтой женщины, а ее лиловая юбка ярко выделяется на желтом фоне.

Поль Сезанн (1839–1906) Деревенская дорога, Овер. Между 1872 и 1873. Холст, масло. 46x55,3

Если большинство людей не принимали искусство Сезанна, то Камиль Писсарро в его неоспоримом таланте был уверен. Художники вместе работали на пленэре, и Сезанн многому научился у своего старшего друга. Мотив дороги, часто встречающийся в сельских пейзажах Писсарро, получил у него свое прочтение. Познакомившись с доктором Полем-Фердинандом Гаше, также поверившим в его живопись, Сезанн переехал к нему в Овер, где создал замечательные пейзажи окрестностей.

Художник конструирует многоплановое пространство: дорога резко уходит вверх по диагонали холста и пропадает за поворотом, скрытая одним из домишек. Эти белостенные постройки, возведенные на холмистой местности, вырастают словно из тела земли. Проемы окон зияют, как черные дыры, от них веет холодом и пустотой. Несмотря на наличие домов по обочинам сельской дороги, пейзаж Сезанна кажется не обжитым, а скорее брошенным, подобным городу-призраку. Холодное серое небо делает его еще более неуютным. Дома на этой улице таят истории жизни своих владельцев. Одиночество, возможно, созвучное одиночеству самого художника, непонятого публикой, сквозит в данной картине. Его жизнь в период написания полотна была непростой: невостребованные работы не приносили никакого дохода, мастер с женой и маленьким сыном был вынужден жить на очень небольшую ежемесячно присылаемую отцом сумму.

Поль Сезанн (1839–1906) Современная Олимпия 1873–1874. Холст, масло. 46x55

Постимпрессионист Поль Сезанн на протяжении почти всего творческого пути не встречал понимания публики. Картины живописца отвергались, и даже лучший друг юности Эмиль Золя, ставший знаменитым писателем, не веря в его искусство, стал считать Сезанна неудачником. Лишь когда художнику шел уже шестой десяток лет, публика и даже товарищи-импрессионисты по-настоящему оценили его работы.

Холст «Современная Олимпия» — это парафраз знаменитой «Олимпии» Эдуарда Мане, в свое время наделавшей много шума. «Современная Олимпия» тоже вызвала скандал, ее признали еще более безнравственной, чем картину Мане, которая в буквальном смысле была оплевана. Уже не оставалось сомнений, что на данном полотне — представительница самой древней профессии: чернокожая служанка снимает с нее тончайшее покрывало, представляя тело своей госпожи на обозрение сидящему посетителю. Ракурс, в котором она изображена, более чем откровенный, а живописная манера неряшлива. Мотивы художника, которыми он руководствовался при написании картины, оставались загадкой, а сам Сезанн представлялся умалишенным, выполнившим работу в белой горячке.

Созданием этого произведения Сезанн приобщился к искусству Мане, высоко ценимому им, и даже в определенной мере бросил ему вызов. Холст был написан за короткое время в результате обсуждения «Олимпии» с другом, врачом и искренним любителем искусства Полем-Фердинандом Гаше.

Поль Гоген (1848–1903) La Belle Angele 1889. Холст, масло. 65x85,5

Поль Гоген — одна из самых загадочных фигур в европейской живописи. Проведя детство в Перу, он навсегда сохранил тягу к экзотическим странам. В начале взрослой жизни ничто не предвещало, что Гоген станет художником. Молодой человек успешно работал на бирже, женился на датчанке и имел пятерых детей. Страсть к живописи началась с коллекционирования и в конце концов привела к тому, что преуспевающий брокер, посвятив себя ей, оставил дела, разошелся с женой, начал новую страницу жизни и творчества на экзотических островах Океании.

Портрет «La Belle Angele» написан в Понт-Авене, где художник работал на протяжении нескольких лет, за два года до отъезда из Франции. Моделью послужила хозяйка городской гостиницы — Мари-Анжелик, считавшаяся местной красавицей. Образ женщины в национальном бретонском костюме заключен в медальон, сдвинутый вправо от центра композиции и в левой ее части уравновешенный изображением некоего идола. Живописец высоко ценил примитивное искусство и культуру «нецивилизованных» народов, включая их «цитаты» в образный строй своих полотен, приобретающих символический контекст.

Поль Гоген (1848–1903) Автопортрет на фоне желтого Христа. Между 1890 и 1891. Холст, масло. 38x46

Представленное полотно, написанное художником незадолго до отъезда в Океанию, приоткрывает тайну душевных переживаний Поля Гогена. Он был католиком, поэтому в его искусстве органично появление религиозной символики. Однако христианский образ страдающего на кресте Спасителя, перекочевавший на автопортрет из другой работы («Желтый Христос»), обретает ярко выраженную личную трактовку, не говоря о том, что Иисус изображен вопреки иконографической традиции, приближенно к примитивному искусству, Он является выражением души самого Гогена. Через страдания Христа живописец показывает свои собственные муки от непризнания и поругания толпами людей. Здесь видится сложная символическая связь художника-творца и Бога-творца. Желтый цвет, используемый в трактовке образа, у Гогена означает жизнь, энергию.

Поль Гоген (1848–1903) Таитянские женщины 1891. Холст, масло. 69x91,5

Картина «Таитянские женщины» написана во время первого приезда Гогена на Таити, куда художника влекла мечта об освобождении от условностей цивилизации, о слиянии с первозданной природой и естественности, утраченной европейцами. Там он хотел творить, наслаждаясь жизнью и не заботясь о деньгах. На экзотической земле живопись мастера воспевала неторопливо-спокойное существование в райском окружении. Его вдохновляли женщины, отдыхающие или занятые своими повседневными делами. В них, красивых и статных, с золотистой кожей и непроглядной тайной черных глаз, он видел не только идеал женственности, но и непрекращающуюся связь с прошлым человечества. Таитянки, почти не тронутые европеизацией, стали для художника воплощением первозданной женщины, хранительницы древнего знания, пробуждающей в мужчине глубинные желания.

Две сидящие на песке фигуры не приукрашены живописцем. Монументальность, крупный размер ступней и кистей рук не вяжутся с привычным представлением о женской грации, однако для Гогена они становятся архетипичными, воплощая здоровую красоту тела. Художник свободен от европейских критериев красоты, так далеко ушедших от ее основ. Таитянские женщины привыкли работать наравне с мужчинами, поэтому отличались крепким сложением. Такими и писал своих героинь Гоген, вдохновленный любовью к молодой островитянке Техуре, ставшей его женой.

Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) Танцующая Джейн Авриль. Около 1892. Картон, масло. 85,5x45

Анри де Тулуз-Лотрек родился во французской аристократической семье, имевшей родственные связи со многими европейскими монархическими домами. Неизвестно, как сложилась бы жизнь желанного наследника, если бы не неизлечимое заболевание, сделавшее из него калеку. В подростковом возрасте Тулуз-Лотрек увлекся рисованием и решил посвятить себя искусству, ведь с физическим недугом ему было бы сложно состояться в чем-либо ином. Лотрек выработал виртуозную графическую манеру письма, стал знаменитым мастером зарождавшегося искусства плаката, в то время как члены семьи стыдились упоминания своей древней фамилии на его работах.

Художник часто изображал танцовщиц кабаре. Одной из его любимых моделей была Джейн (Жанна) Авриль, с которой живописца связывала искренняя дружба. Джейн ценила его искусство и соглашалась позировать, а художник восхищался ее мастерством танцовщицы.

Анри де Тулуз-Лотрек (1864–1901) Женщина с перчатками 1890. Картон, масло. 54x40

Анри де Тулуз-Лотрек часто писал женщин, но никогда не приукрашивал их. Он был беспощадным и справедливым критиком, подмечавшим все нюансы и недостатки внешности. Однако некоторые портреты говорят об искреннем восхищении художника своей моделью.

«Женщина с перчатками» написана в саду папаши Фореста, бывшего фотографа, который разрешал Лотреку в нем работать. Там модели представали в естественном освещении, которое художник старался использовать для выявления особенностей их характера. Его не интересовали импрессионистические искания верной передачи световоздушной среды в конкретный момент времени. Мастеру был важен только человек, на психологически точную характеристику которого он отдавал все силы. «Женщина с перчатками» кажется гордо-отстраненной от зрителя. Ощущение дистанцированности усиливает легкая вуаль, служащая преградой между ней и художником, хотя ее прозрачная ткань не прячет чистого, строгого профиля и нежной кожи модели.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Арлезианка (Портрет мадам Жину) 1888. Холст, масло. 92,3x73,5

Судьба Винсента Ван Гога, несомненно, одна из самых трагичных в мире искусства. Гениальный художник-самоучка, упорным трудом добившийся становления своего стиля, но так и не увидевший признания, глубоко страдавший сам и чрезвычайно чуткий к чужой боли, пораженный душевным недугом, покончил с собой в возрасте 37 лет, не захотев продолжать бесконечную борьбу с жизнью.

Мадам Жину была хозяйкой кафе в Арле, где Ван Гог поселился в поисках ярких красок юга Франции и мечтах об организации художественной мастерской, в которой могли бы творить исповедовавшие схожие взгляды живописцы. Портрет много значил для Ван Гога, поскольку в нем удалось запечатлеть нравившийся ему типаж арлезианской женщины. Работа была выполнена всего за час, художник не старался скрасить недостатки внешности своей модели, даже намеренно подчеркнул их, чтобы явственнее проступила ее душевная красота. Мадам Жину всегда была добра к восторженному и экзальтированному живописцу.

Винсент Ван Гог (1853–1890) Танцевальный зал в Арле 1888. Холст, масло. 65x85,5

В Арле, куда по приглашению Ван Гога приехал для совместного творчества Гоген, художники, несмотря на скудность финансовых средств, посещали увеселительные заведения, которые давали им не только эмоциональную разрядку, но и богатый материал для живописи.

Тематика полотна «Танцевальный зал в Арле» схожа с многочисленными интерьерами парижских кабаре Тулуз-Лотрека, а манера письма напоминает клуазонизм Гогена, характеризующийся работой цветовыми пятнами внутри четкого контурного рисунка, наподобие витражного искусства. Однако в отличие от Тулуз-Лотрека, который писал подмеченные сценки из жизни завсегдатаев кабаре или выступления артисток, Ван Гога интересовало психологическое состояние человека, оказавшегося в безликой толпе танцующих людей. При яркости и праздничности полотна в нем звучат тревожные нотки одиночества в запруженном народом пространстве.